Под солнцем весны: новосибирские
художники-фронтовики о войне и о жизни

21 июля 2020
В.Н. Чимитов
И.В. Титков. В штурме Кенигсберга. 1975
  В штурме Кенигсберга. 1975
  И.В. Титков
 
 
 

Осенью 2020 года жители Новосибирской области смогут увидеть передвижную выставку репродукций произведений из фондов Новосибирского государственного художественного музея «Под солнцем весны: новосибирские художники-фронтовики о войне и о жизни». Этот проект, посвященный 75-летию Победы в Великой Отечественной войне, состоится в рамках духовно-просветительской социально-благотворительной акции «Поезд Памяти „За духовное возрождение России“». Будущие экспонаты выставки послужили материалом данной публикации.

 

Среди защитников Родины, в годы Великой Отечественной войны призванных или добровольно ушедших на фронт из Новосибирска и Новосибирской области, были те, кто до военной поры уже состоялись как художники, но было немало и тех, кто еще только мечтал связать свою жизнь с искусством. Это люди, имевшие разнообразный жизненный опыт. Однако, несмотря на возрастные, социальные и культурные различия, их объединила общая беда - война и общее желание любой ценой одержать победу. Трагические обстоятельства сплели их крепкими и нерушимыми связями и соединили во фронтовое поколение.

Историк Е.С. Сенявская выделяет фронтовое поколение как особый социокультурный феномен, возникший в экстремальных военных условиях и повлиявший на многие сферы жизни послевоенного советского общества [4]. Исследователь утверждает, что фронтовиков объединило общее мироощущение свободы и личной воли. На войне у них сформировались такие личностные качества как чувство независимости, принципиальность и бескомпромиссность, ощущение своего достоинства и значимости как воинов-победителей. Однако в этом явлении особо выделяются люди 1920–1923 годов рождения, оказавшиеся на фронте в юном возрасте, – их личностное взросление и становление пришлось на военные годы. Большинство произведений, выбранных для выставки «Под солнцем весны», принадлежит именно младшему поколению новосибирских художников-фронтовиков.

В 1942 году в Новосибирске открылась выставка «Художники Сибири в дни Великой Отечественной войны». Кроме плакатов «Окна ТАСС», скульптур и больших сюжетных картин военной тематики, на ней были представлены и графические наброски, выполненные художниками непосредственно на месте боевых действий. Одним из участников выставки был И.В. Титков (1905–1993), приславший с фронта почти сотню небольших произведений. «Сгруппированные по темам „Партизаны Смоленской области“, „Здесь были немцы“, „Бойцы на отдыхе“, „Боевые эпизоды N-ой Сибирской артиллерийской части“ <…> они заняли почетное место в экспозиции. Имя художника Ивана Титкова новосибирцы запомнили сразу и надолго», – отмечает искусствовед П.Д. Муратов [2, с. 159].

Акварель И.В. Титкова «В штурме Кенигсберга» (1975) из музейной коллекции – произведение, выполненное на основе его личных воспоминаний об этих боях. Почти квадратный формат листа, выбранный художником, побудил его подчеркнуть высоту большого полуразрушенного здания, размещенного в центре композиции и выделяющегося на фоне беспокойного неба темным устрашающим силуэтом. Такими же темными выразительными силуэтами показаны и монументы, своей величественной статью противопоставленные атакующим солдатам. Солдаты и танк на переднем плане победно устремляются вперед – исход штурма предрешен. Все пространство города погружено в светлую змеевидную дымку, возникающую от частых взрывов. Художнику минимальными средствами удалось передать тревожное, пугающее настроение, охватывающее европейский город и штурмующих его советских солдат.

С.И. Кобелев. Доброволец Отечественной войны старый партизан Омаров. 1945
  Доброволец Отечественной войны старый партизан Омаров. 1945
  С.И. Кобелев
 
 
 

К другому жанру в пределах военной тематики обращается художник С.И. Кобелев (1913–1987) в натурном наброске-портрете «Доброволец Отечественной войны старый партизан Омаров» (1945). Научный сотрудник Новосибирского художественного музея С.А. Беляева отмечает репрезентативность произведения, которую автор подчеркнул развернутым названием и детальной прорисовкой наград, и утверждает, что художник сознательно выбрал поколенный вариант изображения, так как это обусловлено особенностями натуры: «Динамичная, выразительная поза, решительные жесты наряду со смелым, непреклонным взглядом наиболее полно отражают патриотизм немолодого уже человека, взявшего в руки оружие» [1].

Фронтовой рисунок, в жанре которого активно работали художники старшего поколения братья И.В. и В.В. Титковы, С.И. Кобелев и другие, – это, по словам С.А. Беляевой, «особая область графического искусства, где в одно гармоничное целое соединились художественная выразительность и документальная достоверность. Запечатленные непосредственными участниками военных действий, по свежим впечатлениям, эти быстрые зарисовки, фиксирующие места и людей, позволяют по-новому увидеть события тех лет» [1]. Любопытно, что именно в 1941-1945 годах фронтовые наброски, служившие своеобразными путевыми заметками, заняли ведущее место среди произведений на военную тему. По степени достоверности, документальности, остроте наблюдения, живости и экспрессии они соперничали с большими сюжетно-тематическими картинами, которые зачастую были перегруженными и приукрашенными. Фронтовые рисунки – это объективные художественные свидетельства войны, подкупающие любого зрителя правдивостью рассказа.

Не все художники-фронтовики обращались к трагическим событиям Великой Отечественной войны. Многие их них сознательно выбрали в своем творчестве другие темы и сюжеты, отражающие послевоенную жизнь. Эта особенность характеризует младшее поколение новосибирских художников, побывавших на фронте. Демобилизовавшись и оказавшись в условиях мирной жизни, они были вынуждены быстро определиться с выбором своего дальнейшего пути. Многие из них поступили в художественные ВУЗы Москвы, Ленинграда, Костромы. Получив дипломы, они застали время, когда власть приняла решение о развитии и обновлении региональной художественной жизни. Многие из них, теперь уже начинающие художники, отправились в разные города страны. Среди них были приехавшие в Новосибирск Н.Д. Грицюк, П.Л. Поротников, А.А. Пятков и другие. Они отличались от старшего поколения эрудированностью, высоким уровнем мастерства, профессионализмом и приобретенной в военных условиях смелостью и раскованностью. Из Львова переехали супруги, скульпторы и преподаватели, В.В. и Е.Н. Телишевы, получившие образование в Московском институте прикладного и декоративного искусства, директором которого был художник А.А. Дейнека.

В.В. Телишев. Портрет Елены Николаевны Телишевой. 1964
  Портрет Елены Николаевны Телишевой. 1964
  В.В. Телишев
 
 
 

В.В. Телишев (1921–1997) – ключевая фигура в художественной жизни Новосибирска. Он создавал не только виртуозные по исполнению портретные скульптуры, графически и линейно выверенные рисунки и наброски, но и монументальные произведения, ставшие яркими аккордами в общей симфонии пространства Новосибирска и других городов. Вадим Вячеславович был и выдающимся преподавателем, оставившим после себя многих учеников, продолжателей его особого художественного видения и понимания скульптуры с точки зрения конструктивного построения, пластики и формы. В скульптурном портрете своей супруги Елены Николаевны Телишевой (1964) мастер демонстрирует уникальное пластическое и конструктивное мышление. Однако конструктивность деликатно скрывается им за трактовкой лица модели, нежного, мягкого, как будто не высеченного, а вылепленного. При рациональном пластическом решении ему удается достичь и необходимой для художественного высказывания поэтической образности, отражающей глубокие особенности личности персонажа. В.В. Телишев через образ своей жены показал собирательный портрет современника.

Иные принципы в скульптуре реализовывал М.И. Меньшиков (1922–1988). Получив академическое образование в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, он в первую очередь опирался на художественный авторитет скульпторов эпохи русского классицизма - Ф.И. Шубина, М.И. Козловского, И.П. Мартоса. Основные темы в его творчестве – детские образы, портрет современника и монументальная скульптура. В скульптуре «Истребитель танков» (начало 1970-х), выполненной из дерева, Меньшикову-фронтовику, прошедшему войну с самого ее начала и до получения тяжелого ранения, удалось воспроизвести именно ту характерную эмоцию, которая охватывает бойца в момент его поворотного и моментального решения – броска гранаты на надвигающийся вражеский танк. Эту решительность скульптор подчеркивает и характерной динамичной позой героя, и эмоцией в лице, показанной через верно расставленные акценты: волевой подбородок, сжатые губы, зоркий угрюмый взгляд. Выбор погрудного типа скульптуры подчеркивает сюжетную ситуативность (подразумевается взаимодействие героя с окружением): солдат, очевидно, укрылся в окопе и оттуда резким стремительным движением готов совершить рискованный бросок. Перед нами собирательный образ защитника нашей Родины, героя, запечатленного в момент решительного поступка.

М.И. Меньшиков. Истребитель танков. Начало 1970-х
  Истребитель танков. Начало 1970-х
  М.И. Меньшиков
 
 
 

В 1950 – 1960-е годы в Новосибирской области стали появляться художники-деревенщики, которые переезжали из города в областные поселки и обосновывались там на продолжительное время. Такое «хождение в народ», по мнению П.Д. Муратова, - уникальное для Сибири явление: «Деревенская жизнь самой возможностью отодвинуться от города отодвигала и недавно еще обязательные индустриальные сюжеты, к которым не лежала душа большинства художников Сибири. Исподволь, не вдруг, не сразу „деревенщики“ восприняли мотивы народного быта, народного праздничного искусства, осветившие собой областные выставки. Собственно народного искусства после бульдозерного вытеснения его идеологией индустриализации в районных центрах, в селах области остались случайные крохи. Не от них, от общей тенденции романтизированного представления праздничного народного быта России девятнадцатого века, распространившегося в 1960 – 1970-х годах, пошла характеризующая „деревенщиков“ особенность их искусства» [3, с. 187]. П.Д. Муратов называет «деревенщиками» А.А. Пяткова (жил в селе Коурак Тогучинского района), П.П. Давыдова (Завьялово Искитимского района), С.И. Кобелева (Ордынское), П.Л. Поротникова (Вьюны Колыванского района), В.П. Хлынова (Тальменка) и других мастеров. Этот порыв художников покинуть активно застраивающийся индустриальный, динамичный город можно объяснить не только историческими, профессиональными и житейскими обстоятельствами, но и особым складом их характеров, особым мироощущением, сформированным в годы войны. Они будто стремились, находясь в деревне, отстраниться от привычной для большого советского города административной системы и на лоне природы приобретали настоящую свободу и уединение.

П.П. Давыдов. Воспоминание о сыне. 1970-е
  Воспоминание о сыне. 1970-е
  П.П. Давыдов
 
 
 

Живописца П.П. Давыдова (1924–1976), участника разгрома фашистских войск на Курской дуге, окончившего после войны Алма-Атинское художественное училище, привлекали различные жанры: тематические картины, портреты, натюрморты и пейзажи. При этом наиболее примечательными в его творчестве являются картины со сложной, с точки зрения жанровой сюжетики, образностью. Так, картина «Воспоминание о сыне» (1970-е) отличается глубиной содержания при незамысловатом и лаконичном сюжете. Перед нами пожилые родители погибшего на войне сына. Художник подчеркивает деревенскую простоту и в их внешнем облике, и в их окружении. Мать склонилась над кипой фронтовых писем сына, а отец устремлен взглядом к зрителю. Безнадежная печаль угадывается в его выразительных голубых глазах. Грустную интонацию поддерживает и колорит произведения: серо-зеленые, голубые холодные тона пронизывают все тесное и темное пространство избы, в которой живут навсегда и безвозвратно покинутые сыном осиротевшие старики.

Такой же, как и в картинах П.П. Давыдова, сдержанный холодный серебристый колорит, но лирически приподнятый и жизнеутверждающий, характерен и для произведений А.А. Пяткова (1919–1982). Выразительна и поэтична его картина «Новая окраина» (1967). Этот городской пейзаж, как и многие другие работы живописца, отличается тончайшим соотношением красок: сквозь сиренево-серебристую дымку все цвета на полотне светятся приглушенно, объединяясь в мягкий, благородный колорит, сочетающий в себе сиреневые, голубые, розовые и светлые холодно-зеленые оттенки. Легок, свободен и живописен рисунок тонких деревьев, сквозь которые проглядывают коричневатые и серые деревянные бараки; он создает на холсте непринужденный, но ясно читаемый ритм. Художник передал мягкую прелесть весенней пробуждающейся природы. А.А. Пятков пробовал себя в различных жанрах: и в портрете, и в тематической картине. Однако именно в пейзаже ему удалось наиболее полно показать уровень своего живописного мастерства, композиционного и колористического чутья, поэтического дара и лирического мышления.

А.А. Пятков. Новая окраина. 1967
  Новая окраина. 1967
  А.А. Пятков
 
 
 
П.Л. Поротников. Проводы зимы. 1977
  Проводы зимы. 1977
  П.Л. Поротников
 
 
 

Поэтическая образность и лирическая мягкость характерны и для сибирских пейзажей П.Л. Поротникова (1922–1998). В картине «Проводы зимы» (1977) художник запечатлел праздничный мотив. Деревенские жители гурьбой вышли из домов, провожая зиму и встречая весну. Стройной вереницей они с плясками проходят по сельской улице, медленно и дружно спускаясь с пригорка в низину. В этой толпе художник заостряет внимание зрителя и на продавцах, предлагающих покупателям праздничные яства, и на молодых ребятах-лыжниках, со стороны наблюдающих за народным гулянием. Изображены здесь и ряженые, подчеркивающие карнавальность действа, и конь с нарядной узорчатой упряжью и повозкой, на которой разместилось чучело Масленицы. В этом наивном описательстве народного праздника, гармонично сливающегося с природным пространством, угадывается традиция жанровой картины малых голландцев. Однако наивность гармонично сочетается и с профессиональной выучкой художника: нет излишних подробностей, передано и воспроизведено самое главное, что служит раскрытию особого праздничного настроения людей и отражает особый сибирский колорит окружающей природы. Выбрана высокая точка зрения, поэтому у зрителя появляется возможность увидеть в панораме сибирские просторы и большое пространство поселка. На переднем плане изображены пряничные деревенские домики и пышная высокая береза, вторящая своей простотой и нарядностью народному гулянию. Лучи весеннего солнца освещают и окрашивают все вокруг в праздничные розоватые, голубые тона.

В пейзажах П.Л. Поротникова природа воздействует на зрителя трудноуловимыми эмоциональными нюансами. Эта особенность произведений сибирского художника сближает его стиль с левитановской традицией пейзажа настроения. Переданное им лирическое состояние окружающего – это воплотившиеся в природе, а затем преобразившиеся в картинах переживания человека. Пейзажным полотнам Поротникова свойственны не только духовная глубина, но и широта чувственного восприятия сибирской природы, которая для него не безмолвна, наполнена разнообразными звуками - шорохом листвы, движением ветра, воды, птичьими голосами, веселыми беседами деревенских жителей.

А.С. Тришин. День моего рождения. 1984
  День моего рождения. 1984
  А.С. Тришин
 
 
 

Однако не только природа и неприхотливая сельская жизнь сибиряков привлекала новосибирских художников-фронтовиков, многие из них откликались и на современные тенденции отечественного искусства эпохи Оттепели. Так, А.С. Тришин (1927–2014) известен в истории сибирского искусства как представитель «сурового стиля». Его тематические групповые композиции 1960-х годов подчеркнуто жизнеутверждающие. Оставаясь убежденным оптимистом и в некоторой степени наивно настроенным художником, от «суровых» он взял лишь специфические пластические изобразительные приемы и средства: монументальность, лапидарность, принцип предстояния, упрощение и обобщение. «Суровая» образность прослеживается и в его аскетичном и одновременно весьма романтичном по настроению натюрморте «День моего рождения» (1984). Здесь художник демонстрирует дар чуткого колориста. Цвета звонкие, насыщенные, но в то же время они благородно оттенены и приглушены в манере «суровых». Для Тришина важна фактура, пастозные объемы, создающие ощущение монументальной рельефности и шероховатости живописной поверхности. Его масляная живопись по своей фактуре и сложным колористическим переходам напоминает фреску. Натюрморт же лишен монументальной сдержанности и сухой статичности его программных произведений, исполненных в «суровой» стилистике, он более свободен и живописен. По природе образного решения это произведение уже относится к искусству 1980-х годов. Оно артистично, поэтично и крайне индивидуально.

Н.Д. Грицюк. Солнечный день. 1962
  Солнечный день. 1962
  Н.Д. Грицюк
 
 
 

Художником, в творчестве которого отразились многие тенденции отечественного искусства 1960 – 1970-х годов, является Н.Д. Грицюк (1922–1976). Участник войны, он, как и многие его ровесники, сначала обучался в Москве, в Текстильном институте, а затем переехал в Новосибирск, где и стал самостоятельным художником. Грицюк известен, в первую очередь, своими уникальными городскими пейзажами, в которых он создавал образы Москвы, Ленинграда, Таллина, Переславля-Залесского и, конечно же, Новосибирска, образ которого на протяжении короткого, но богатого разнообразными событиями жизненного и творческого пути Грицюка неоднократно им переосмыслялся и менялся. Новосибирск Грицюка - и индустриальный, активно застраивающийся, и современный, импрессионистичный, и экспрессивный, большой, холодный, и суровый, объективный и неприглядный, и почти абстрактный, собирательный тихий, безмолвный город. В работе «Солнечный день» (1962) органично сплелись как импрессионистические качества, так и черты экспрессионизма. Художник демонстрирует виртуозное владение акварельной техникой: наложенные свободно и размашисто прозрачные и мягкие яркие акварельные мазки располагаются по всему пространству листа, усиливая впечатление динамичности, беспокойности и суеты городской жизни. Используя яркие, насыщенные цветовые сочетания, усиленные и утрированные, художник в городском мотиве воспроизводит свое приподнятое, возбужденное эмоциональное состояние. Так с начала 1960-х годов в творчестве Грицюка стали отчетливо проявляться нонконформистские тенденции. Грицюк, мастер независимый и принципиальный, выбивался из художественной среды своего времени яркой индивидуальной творческой манерой и бескомпромиссностью в осмыслении окружающей советской действительности.

М.А. Кременский. Цветы. 1936
  Цветы. 1936
  М.А. Кременский
 
 
 

Нельзя забывать, что многие художники-фронтовики трагически погибли на войне. Среди них был и новосибирский художник М.А. Кременский (1901–1942). После обучения во ВХУТЕИНе он вернулся из Москвы в родной Новосибирск. Как график много публиковался в известном и авангардном для своего времени журнале «Настоящее» (выпускался в Новосибирске в 1920 – 1930-е годы). В составе специальной бригады живописцев (Г.Г. Ликман, А.П. Фокин, О.А. Шереметинская, И.И. Янин, И.И. Тютиков) он оформлял павильон «Сибирь» на ВДНХ в Москве; участвовал и в монументально-декоративных работах в новосибирском Оперном театре. На войну был призван в июне 1941-го. Служил красноармейцем в составе 19-й гвардейской стрелковой дивизии 23-го отдельного мотострелкового батальона Второй ударной армии, которая была сформирована для прорыва блокады Ленинграда зимой 1942 года. 13 февраля 1942 года, выдержав более месяца самых жестоких боев, Михаил Кременский погиб. Художник оставил после себя немного произведений. Одно из них хранится и демонстрируется в постоянной экспозиции Новосибирского государственного художественного музея - это натюрморт «Цветы» (1936), который по праву может считаться настоящей жемчужиной нашей музейной коллекции. Натюрморт отличает композиционная простота решения. По центру изображен букет полевых цветов, помещенный в яркий синий кувшин-вазу; рядом с букетом художник показал несколько яблок, тарелку и книги. Фон лаконичен – это голая аскетичная стена. Главным в натюрморте, безусловно, является колорит: сдержанные, но в то же время изысканные цветовые сочетания, сложная многослойность, контрастные соотношения, благодаря которым отдельные цветовые акценты предстают усиленными и насыщенными. Утрирована неправильность очертаний предметов. Художник озабочен скорее передачей живописных особенностей мотива, чем достоверностью объемов, перспективных сокращений и пропорций вещей. Однако, несмотря на превалирование живописи, все предметы по-авангардному материальны и оформлены. В этом натюрморте транслируется идея «искусства для искусства», в нем отражены пластические принципы и устремления модернизма. Авангардная стилистика, культивирование пластических живописных ценностей, живописная маэстрия, некоторая схожесть по манере исполнения с натюрмортами символиста Одилона Редона – все эти качества говорят об уникальности этого произведения, его особом месте в общем ряду произведений сибирских художников. «Цветы» Кременского – одно из немногих напоминаний об эпохе 1920-х годов, когда не только столичные художники-авангардисты, но и сибирские авторы были охвачены утопической идеей счастливого социалистического будущего, в котором, по их представлению, должно царствовать настоящее искусство, настоящая живопись, очищенная от всего наносного, неискреннего, салонного и излишне повествовательного, или искусство рациональное, прагматичное, слившееся с производством и ставшее тем самым обезличенным и функциональным.

Великая Отечественная война оставила глубокий след в сердцах тех, кто стал ее свидетелем. Участниками войны были и художники, которые и во время нее, и после создавали произведения на военную тематику. Именно благодаря этим живым художественным свидетельствам современные зрители могут ощутить чувства и эмоции, которые солдаты испытывали во время боевых действий, а также разделить вместе с ними радость одержанной победы, радость мира без войны. Многие художники-фронтовики, преимущественно младшего поколения, отказывались от изображения и осмысления трагических событий. Осторожно, используя метафорическую образность, они переосмысляли переживания осиротевших, покинутых сыновьями родителей или создавали собирательные образы совершающих героические поступки доблестных солдат. Некоторые художники-фронтовики в конце 1950 – 1960-х годов уезжали в деревню и писали там пейзажи, в которых отражен лирический, иногда эпический образ сибирской природы и изображены эпизоды из сельской жизни сибиряков. Но были и художники-новаторы, для которых главным творческим принципом становился поиск нового метода, выходящего за рамки устоявшихся традиций соцреализма. Это, конечно же, такие мастера как Н.Д. Грицюк, А.С. Тришин и др. Они откликались на мировые и отечественные тенденции в искусстве, перерабатывали приобретенный опыт с учетом своих индивидуальных, сугубо личностных устремлений и интересов.

Выставка «Под солнцем весны», с одной стороны, познакомит зрителей с разнообразным по стилистике, манере исполнения, темам и сюжетам искусством новосибирских художников-фронтовиков, а с другой стороны, она послужит данью памяти и уважения фронтовому поколению, сыгравшему значимую роль в обновлении культурной, социальной и политической жизни страны в 1950 – 1970-е годы.

ЛИТЕРАТУРА


1 Беляева С.А. Фронтовые рисунки С.И. Кобелева. // Художественный музей : электрон. журнал. 2013. № 2 (12). URL: https://www.nsartmuseum.ru/journal/id/87 (дата обращения: 26.04.2020).
2 Муратов П.Д. Если завтра война... // Идеи и идеалы. 2011. № 1 (7). Т. 1. С. 152–164.
3 Муратов П.Д. Союз художников РСФСР // Идеи и идеалы. 2012. № 4 (14). Т. 1. С. 175–188.
4 Сенявская Е.С. Психология войны в ХХ веке: исторический опыт России. М. : РОССПЭН, 1999. 384 с.