Британский искусствовед Сэм Филлипс, автор книги «…ИЗМЫ. Как понимать современное искусство», создал «своего рода карту траекторий, по которым развивалась художественная практика новейшего времени». Именно так сказано в презентации этой книги-путеводителя по современному искусству, вышедшей в московском издательстве «Ad Marginem» в 2016 году. Она в очень доходчивой, почти «ликбезовской» форме представляет обширный круг течений и направлений в искусстве XIX – XXI веков. Группы, стили, школы… Пролистывая компьютерную версию книжки, я невольно поймал себя на том, что работы многих наших новосибирских художников неплохо ложатся в прокрустово ложе этой своеобразной «таблицы Менделеева» мирового искусства. Вот я и решил, дорогие читатели, предложить вам пройтись, с позиций подобного путеводителя, по творчеству некоторых наших новосибирских мастеров кисти. Уверен, что «наши» далеко «не лыком шиты» и весьма неплохо вписываются в эту «периодическую классификацию». И дело здесь не в банальном плагиате, а в своеобразной субъективной творческой переработке тех изобразительных находок, которые оставили нам ушедшие творцы прошлого.

Предлагаемый своеобразный ликбез (и в первую очередь для самого себя!) я постарался сопроводить иллюстрациями, показывающими работы как наших земляков, так и известных мировых адептов тех или иных изобразительных «измов». Замечательно то, что эти самые «наши» в разные периоды творчества увлекались разными известными течениями – кто в шутку, кто временно (для обогащения собственных технических приемов), а кто и обдуманно, для продвижения вперед тех или иных художественных стилей.

Безусловно, в одном материале журнального формата невозможно охарактеризовать все существовавшие и существующие течения и направления в искусстве, а также упомянуть обо всех наших художниках, случайно или целенаправленно попадавших в эти «течения». Более того, никто точно и не знает, сколько этих «измов» вообще существовало или существует на самом деле. Поэтому я остановился лишь на тех из них, с которыми есть (по моему мнению) явные параллели в работах наших новосибирцев. Заранее прошу извинить (или даже простить!) меня тех читателей, которым мои «изыскания» покажутся надуманными. И еще: я не искусствовед, поэтому более-менее внятные характеристики приводимых ниже направлений в искусстве брал из разных источников, иногда добавляя в них и свои субъективные «размышлизмы».

	Гладиолусы. 1876
	К. Моне
	Детройтский институт искусств, США

 

 

 

	Флоксы на даче. 2014
	А.Д. Шуриц
	Частное собрание

 

 

 

ИМПРЕССИОНИЗМ. Ну, с этим «измом» более-менее все ясно: происходящий от фр. «impression» – впечатление, он зародился в последней трети XIX – начале ХХ века. Яркий красочный метод, своего рода квинтэссенция живописи. Импрессионисты старались придать динамику цвету, композиционно нарочито обрезая изображение или сдвигая его, подобно репортажной съемке. Кстати, некоторые искусствоведы считали, что именно появление фотографии (в том числе и цветной) в какой-то степени спровоцировало и формирование самих принципов импрессионизма.

Теперь давайте сопоставим работы известнейшего представителя этого направления в живописи – француза Клода Моне и, как ни странно, нашего современника Александра Шурица (1945 – 2017). Их холсты, соответственно «Гладиолусы» и «Флоксы на даче», явно взаимодействуют между собой, несмотря на временной разрыв в сто с лишним лет. Александром Давидовичем было создано довольно много работ с подобным «импрессионистским» уклоном, особенно после того как у него появилась собственная дача. Хотя, конечно же, подобный уклон – далеко не доминирующий в его творчестве. И в этом мы с вами еще убедимся.

	Пейзаж в Сен-Реми. 1889
	В. Ван Гог
	Музей искусств Индианаполис. США

 

 

 

	Стог. 1978
	А.С. Тришин
	Собственность семьи автора

 

 

 

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ (дословно – «после импрессионизма») тоже оставил след в художественной жизни Новосибирска. Апологеты этого «изма» в живописи, как известно, отказались от эстетики импрессионизма, отошли от натуральности в сторону свободной обобщенной трактовки действительности и даже проповедовали идеи уединенной, отшельнической жизни. Классическими мастерами такого творческого подхода были нидерландец Винсент Ван Гог и француз Поль Гоген. Я решил сравнить стилевые особенности холста Ван Гога «Пейзаж в Сен-Реми» и холста «Стог» знаменитого новосибирца Александра Тришина (1927 – 2014). Как видим, техники обоих художников схожи, да и тематика близка. Тут и знаменитый пастозный мазок, который так любил сибиряк (он называл его замесом), и цветовая гамма, и «навороченное» небо. Параллели явно налицо!

Но, опять же, если вы попытаетесь заглянуть в творчество Александра Семеновича поглубже, то обнаружите там и натюрморты, и портреты, и жанровую живопись, да и технически эти работы будут выполнены далеко не всегда в правилах постимпрессионизма. Особенно если перед вами предстанут его брутальные «Хоккеисты» или «Дорожники»!

	Танец. 1910
	А. Матисс
	Государственный Эрмитаж

 

 

 

	Чиновники. 2020
	В.А. Фатеев
	Собственность автора

 

 

 

ФОВИЗМ (от фр. «fauve» – дикий). Течение во французской живописи начала XX века. Одни историки искусства относят фовизм к авангарду, исключая его из постимпрессионизма, другие – к модернизму. Классическим временем фовизма принято считать небольшой период с 1904 по 1908 год. Фовизм – это предельно интенсивные цвета, обобщенные контуры, сведение формы к простым очертаниям, отказ как от светотеневого, так и сложного перспективного построения пространства. Типичными представителями этого яркого во всех отношениях стиля являются Анри Матисс и Андре Дерен. Ну а среди наших современников периодическое использование подобного уклона хочу отметить у Владимира Фатеева (1951 г.р.), успешно занимающегося и станковой живописью, и искусством сценографии. Сравните «Танец» Анри Матисса и ироничных «Чиновников» Владимира Афанасьевича: они явно из одной «компании». И не только потому, что герои и первого, и второго полотен пляшут, а потому, что перечисленные выше характеристики данного художественного направления в обеих этих работах наглядно присутствуют. Кстати, у Матисса имеются два варианта «Танца»: первый находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, второй – в Питере, в Эрмитаже. А вот пляшущие «Чиновники» Фатеева существуют только в единственном экземпляре!

	Красный всадник. 1913
	К. Карра
	Музей Новеченто. Милан, Италия

 

 

 

	Льется металл. 1973
	Н.Д. Грицюк
	Собрание семьи художника

 

 

 

ФУТУРИЗМ (от лат. «futurum» – будущее). Это течение авангардного искусства возникло в 1910-х – начале 1920-х годов, прежде всего в поэзии и живописи Италии и России. В «Манифесте футуризма», опубликованном в 1909 году итальянским поэтом Филиппо Маринетти, подчеркивалось стремление поэтов и живописцев «отразить в своих картинах ускорение темпа жизни и индустриализацию среды как приметы новой эры». И тут я осмелюсь свести вместе работы итальянского мастера Карло Карра и одного из самых известных новосибирских художников ХХ века – Николая Грицюка (1922 – 1976). «Красный всадник» Карло Карра – типичнейшая футуристическая работа: яркость, динамика, напор, творческая агрессия. В темперном листе Николая Демьяновича «Льется металл», конечно же, хватает и того, и другого, и третьего. Но футуризм нашего земляка все же оптимистичнее и гуманнее, если позволительно такое определение. Возможно, именно потому, что все творчество Грицюка отличается своеобразной мягкостью форм и гармоничной пластикой. Его футуризм – российский футуризм, и, потом, это всего лишь эпизод в богатейшем по течениям и направлениям искусстве мастера, а точнее – маэстро. В разное время и в разных своих работах он мог быть и чистым абстракционистом, и кубистом, и экспрессионистом, и абсолютным реалистом! Похоже, что Николай Демьянович Грицюк в изобразительном искусстве – это «наше всё»!

	Портрет Альфреда Дёблина. 1912
	Э.Л. Кирхнер
	Музей Буша-Райзингера. Кембридж, США

 

 

 

	Автопортрет в красной куртке. 1975
	В.С. Бухаров
	Собственность автора

 

 

 

ЭКСПРЕССИОНИЗМ (от лат. «expressio» – выражение). Это течение в европейском искусстве получило наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. К этому направлению можно отнести работы и Эдварда Мунка, и Эрнста Людвига Кирхнера, и Василия Кандинского, и Отто Дикса. Безусловно, многим читателям хорошо известен «Крик» Эдварда Мунка. Но сегодня я все же размещу тет-а-тет немецкого экспрессиониста Эрнста Кирхнера и легендарного новосибирского художника Виктора Бухарова (1944 г.р.) Эмоциональный, можно сказать, написанный на одном дыхании автопортрет Виктора Семеновича ничем не уступает в цветовой напряженности и творческой экспрессии холсту Кирхнера, на котором изображен немецкий писатель и врач Альфред Дёблин. И это при том, что творчество художников разделяют десятки и десятки лет и тысячи километров. Хочу отметить: автопортрет Бухарова выполнен им еще в начале большого и успешного творческого пути, но художник и сейчас продолжает оставаться приверженцем экспрессивной живописи, отражающей его неувядающие эмоции и фантастическую работоспособность. А принципиальности и твердости характера этого мастера стоит только позавидовать!

	Сказка (III). 1907
	М.К. Чюрленис
	Музей имени М.К. Чюрлениса. Каунас, Литва

 

 

 

	Эскиз образа вестника молчания с серпом и крестом. 2014-2015
	В.В. Иванкин
	Собственность автора

 

 

 

СИМВОЛИЗМ. Течение возникло во французской живописи в 1870 – 1880-х годах, но получило наибольшее распространение в период глобального модерна на рубеже XIX – XX веков. Характерные качества работ символистов – мистика, таинственные мифологические и сакральные темы и сюжеты, намеки, иносказания, неясные, тревожные и смутные настроения, эзотерическая символика. Отцом символизма принято считать француза Одилона Редона. А его мистические образы-символы, в свою очередь, явно перекликаются с работами литовца Микалоюса Чюрлениса, художника и музыканта. Одно из произведений этого талантливого прибалтийского символиста – графический лист «Сказка» – я хочу противопоставить (в хорошем смысле слова, конечно же!) полотну нашего современника, академика РАХ Вадима Иванкина (1961 г.р.) Безусловно, назвать Вадима Викторовича символистом – значит сильно удивить нашу художественную общественность. Например, у него только кубистически выполненных автопортретов как минимум чертова дюжина! Да и полотен, и графики в своем «иванкинском» стиле – пруд пруди: там и оптимизм, и гармония, и красота!  Но символистский уклон в творчестве этого многогранного художника все-таки периодически появляется. В частности, об этом явно свидетельствует его большой перманентный цикл, который можно условно назвать «Эскизы». Хотя какие же это эскизы – полноценные и крупные живописные холсты библейско-мифологического содержания, этакие «иванкинские» апокрифы. А вот и один из них, со свойственным символизму замысловатым названием – «Эскиз образа вестника молчания с серпом и крестом». Думаю, с таким символистским багажом апологеты этого течения ХIХ –ХХ веков приняли бы Иванкина за своего!

	Женская голова. 1930
	Ж. Брак

 

 

 

	Принцесса. 1993
	М.С. Омбыш-Кузнецов
	Собственность автора

 

 

 

КУБИЗМ. Ну, тут и объяснять не стоит происхождение термина. А само течение появилось все в той же Франции и, опять же, в начале ХХ века. Если строго «по-научному», в основе кубизма лежит стремление художника разложить изображаемый трехмерный объект на простые элементы и собрать его на холсте в двухмерном изображении. Вот такой творческий алгоритм. Отцом-основателем кубизма безоговорочно считается Пабло Пикассо, с его «Авиньонскими девицами». А ближайшим последователем его стал, как известно, Жорж Брак. Именно полотно Брака «Женская голова» я хочу поставить рядом с холстом «Принцесса» народного художника России Михаила Омбыш-Кузнецова (1947 г.р.), всю жизнь живущего в Сибири, но известного во всем мире. Конечно, для Михаила Сергеевича кубистические «клаузуры» – всего лишь небольшой эпизод в его огромном творческом багаже, но, согласитесь, «импортозамещение» достойное!

	Проект фрески. 1952
	Ф. Леже
	Национальный музей Фернана Леже. Био, Франция

 

 

 

	Роспись фасада клуба МС2 (фрагмент). Новосибирск. 2001
	С.В. Беспамятных

 

 

 

ОРФИЗМ. Это авангардное направление начала ХХ века, отличительной особенностью которого является сочетание в работах конкретных контрастных цветов и криволинейных поверхностей. Оно в определенной степени послужило переходом от по большей части монохромного кубизма к ярко выраженному абстрактному искусству. А с легкой руки французского поэта Гийома Аполлинера новое направление получило название «орфизм», в честь древнегреческого певца и музыканта Орфея. Границы орфизма довольно размыты, и разные теоретики искусства относят к нему разных творцов. Дело в том, что подобные промежуточные направления проходили многие художники, которые до или после этого пробовали себя в иных стилях. К таковым относится и знаменитый француз Фернан Леже. Ярким примером орфизма служит проект его фрески 1952 года, находящийся теперь в его музее.

Новосибирский художник Сергей Беспамятных (1970 – 2022), скорее всего, и не догадывался, что некоторые его творческие находки очень даже «из той же оперы». Вот фрагмент его экстерьерной росписи одного из фасадов в Новосибирске. Преемственность тут налицо (повторюсь – не заимствование и не плагиат!). Правда, нынешние искусствоведы расценивают творчество Сергея Викторовича как «психомеханический формализм». Честно скажу, я о таком направлении не слышал.

К сожалению, этот талантливый и удивительно многогранный художник совсем недавно ушел из жизни в расцвете лет…

АБСТРАКЦИОНИЗМ (от лат. «аbstractio» – отвлечение). Абстрактная живопись, как и многие другие уже рассмотренные нами направления в искусстве, тоже появилась в начале ХХ века. Понятно, что это направление полностью отвергало реализм в изображении, и исповедующие его художники ориентировались только на цветовые пятна, линии и их бесконечное сочетание между собой. Увлечение нефигуративными, беспредметными изображениями быстро распространилось по миру. И каких только подразделений в армии его сторонников не было! Американец Пол Джексон Поллак просто лил краску на холст, предварительно брошенный на пол (извините за неожиданную тавтологию). Считается, что среди первопроходцев стиля «засветились» Казимир Малевич и нидерландец Пит Мондриан. Одним из первых был и чех Франтишек Купка. Вот его формальное полотно «Диски Ньютона» я и привожу в качестве примера ранней абстрактной живописи. А в Новосибирске наиболее яркими и талантливыми представителями и последователями этого направления считаются, безусловно, Николай Демьянович Грицюк и его дочь Тамара (1953 г.р.) И если Грицюка-старшего мы уже упоминали ранее, правда, как «футуриста», то о его дочери уместнее всего говорить именно как об убежденном и последовательном художнике-беспредметнике. В нашем случае композиция Тамары Николаевны – это небольшой холст «Пари». Как видим, тут соблюдены все «правила игры»: отсутствие конкретной фигуративности, замысловатая игра цветных пятен и их форм, а также – загадочное название. Ну, разве что, при сопоставлении этих двух работ пластика живописи Тамары Николаевны кажется несколько жестче, чем у Купки, что лично мне нравится больше.

	Меланхолия. 1942
	С. Дали
	Частное собрание

 

 

 

	Небесная война. 1980
	А.Д. Шуриц
	Частное собрание

 

 

 

СЮРРЕАЛИЗМ (фр. «surrealism» – сверхреализм, надреализм). Это необычное направление в литературе и искусстве, как известно, сложилось в двадцатых годах прошлого века, но некоторые исследователи ведут его историю еще со времен Иеронима Босха. А вот «отец» настоящего сюрреализма – испанец, полное имя которого Сальвадор Доменек Фелип Жасинт Дали-и-Доменек, маркиз де Дали де Пуболь или проще Сальвадор Дали, – в свою очередь, считал, что все началось с итальянца Джузеппе Арчимбольдо (все, конечно же, помнят его фруктово-овощные портреты). Для художников этого стиля характерно умение совмещать реализм и вымысел, наделяя плоды (опять же, неожиданная тавтология!) своего творчества загадочными названиями. 

Короче, холст Сальвадора Дали «Меланхолия» я помещаю рядом с довольно ранней работой уже «засветившегося» в нашем обзоре новосибирца Александра Шурица. Его композиция «Небесная война», как это и положено по законам жанра, загадочна по сюжету и эффектна по исполнению. Кстати, Александр Давидович со временем ушел от явного «сюрреалистического» стиля, его живопись стала графичнее, жестче и условнее, но привкус «сюра» при этом остался в ней навсегда.

А что еще объединяет этих двух мастеров сюрреализма, так это то, что и у Сальвадора, и у Александра, жены – русские! Вот такой парадокс.

	Бетти обернулась. 1988
	Г. Рихтер
	Сент-Луисский художественный музей. США

 

 

 

	Портрет Александра Шурица. 2018
	Е.В. Молодин
	Собственность автора

 

 

 

ГИПЕРРЕАЛИЗМ (от сочетания греч. «hyper» – сверх и лат. realis – настоящий).  Это направление сложилось в конце XX – начале XXI века, и для него характерна максимально реалистичная достоверность художественных образов. Стиль, в котором автор при написании картины огромное внимание уделяет прорисовке предметов и деталей, сегодня очень распространен. Для сторонников «гипера» главной целью творчества является иллюзорно точное и бесстрастное копирование объектов изображения. И тут невольно вспоминаешь Косого из «Джентльменов удачи»: «Вот у меня один знакомый, тоже ученый, у него три класса образования, так он десятку за полчаса так нарисует, не отличишь от настоящей». Шутка, конечно, но, как и положено, с долей истины.

Одним из известных мастеров этого направления являлся немецкий художник Герхарт Рихтер. Вот его работа второй половины ХХ века «Бетти обернулась». А рядом графика талантливого новосибирца Евгения Молодина (1973 г.р.) – «Портрет Александра Шурица». Скрупулезнейшая работа Евгения Вячеславовича поражает и ремеслом, и мастерством. Тут, понятно, «тремя классами образования» не обойтись.

Многие путают (и я тоже!) гиперреализм с фотореализмом. Ознакомившись с мнениями апологетов обоих «измов», существенной разницы между этими направлениями я уловить так и не смог. Но вот любопытный случай рассказывал Михаил Сергеевич Омбыш-Кузнецов, который в свое время отметился целым циклом работ «Закрытые картины». На его холстах с гиперреалистичной точностью были изображены якобы упакованные в крафтовую бумагу, обклеенные скотчем и перевязанные бечевкой картины. Со всеми складками, узелками, помятостями и шероховатостями, свойственными такой упаковке. Короче, от настоящих не отличишь! Этот гиперреализм был вывешен на одной из выставок. Перед открытием экспозиции в зал вошел один из высоких чиновников и возмущенно воскликнул: «Безобразие, вот-вот открытие начнется, а у вас еще не распакованные картины висят!». Комплимент художнику, однако!

Я заканчиваю эту нашу далеко не полную экскурсию, дорогой читатель, именно на гиперреализме (фотореализме), так как далее идут уже суперсовременные течения и стили, в которых путаются не только сами авторы и зрители, но даже и искусствоведы, и историки искусства. Концептуализм с его перфомансами, инсталляциями, актуальным искусством, а там и «психомеханический формализм» – все это чрезвычайно индивидуально и субъективно. И, тем не менее, очень-очень интересно! Но об этих новосибирских изысканиях и об их авторах вам лучше расскажут более молодые специалисты.

Так что, как говорится, извините за внимание.